Catch - La memoria tra le corde (Paolo Spagnuolo, 2025)

La locandina del documentario.

 

Gustoso documentario (58' circa) sulla storia dei fratelli Angelo e Pasquale Giusto, lottatori di catch negli anni Cinquanta e Sessanta.

Originari del piccolo paese di Fontanarosa (AV), divennero lottatori professionisti e girarono il mondo, per poi ritirarsi presto. Entrambi lavorarono anche nel cinema, come cascatori, per il loro fisico prestante e le notevoli capacità acrobatiche.

Una bella storia, pressoché sconosciuta e dimenticata da tutti ma meritoriamente riportata a galla quando almeno uno dei due fratelli (Pasquale, classe 1938) è ancora in vita. Angelo era invece del 1933, ed è morto nel 2021, senza purtroppo fare in tempo a vedere questo omaggio, bello quanto sentito.

Il film riesce a far riemergere dalla polvere del tempo un intero periodo: la ricostruzione storica è lasciata allo storico del catch Roberto Amato, ex lottatore a sua volta. L'intervista a Pasquale Giusto invece meriterebbe un capitolo a parte: la sua impagabile verve dialettale regala i momenti migliori, e fa venire voglia di vedere, un giorno, un Director's cut di tre ore.

Visto in una proiezione pubblica, in occasione di un evento relativo al wrestling, alla presenza del regista. 

Quel giardino di aranci fatti in casa (Herbert Ross, 1982)

Un barbuto Walter Matthau.

 

Noiosa commedia con Walter Matthau e Ann-Margret.

Ragazzina di New York va in California per conoscere il padre, che non ha praticamente mai visto, nella speranza che il babbo la aiuti nella sua improbabile carriera di attrice ad Hollywood. L'incontro però non è molto promettente. 

Tratto da una pièce di Neil Simon, è un film verboso e con personaggi poco interessanti. La figlia poi, interpretata dalla sconosciuta Dinah Manoff, è davvero antipatica. Ho abbandonato dopo 35 minuti.

Visto nel dvd italiano Sinister. 

In gara con la luna (Richard Benjamin, 1984)

Il giovane Sean Penn.

 

Commedia dal retrogusto dolceamaro diretta da un regista di indubbio mestiere.

Siamo in un piccolo paese della California nel 1942. Henry e Nick sono amici, ed entrambi stanno aspettando di partire per la guerra. Mentre Nick è scanzonato e superficiale, Henry è un animo più sensibile, e si innamora come una pera cotta della bella Caddie non appena la vede alla biglietteria di un cinema. 

Film oggi poco noto, nonostante la presenza di due futuri divi come Sean Penn e Nicolas Cage. Il rapporto tra i due amici forse è la cosa che funziona meglio: più banale il racconto della passione tra Penn ed Elizabeth McGovern, che al tempo delle riprese aveva appena finito di girare C'era una volta in America, tra l'altro.

Ambientazione gradevole e ben sfruttata, personaggi secondari incolori. C'è anche l'onnipresente Michael Madsen, in un ruolo marginale.

Visto nel dvd italiano Sinister. 

 

Il signore del male (John Carpenter, 1987)

La chiesa del film.

 

Altro horror di John Carpenter che non rivedevo da qualche lustro.

Opera che gode oggi di un culto notevole, ha confermato in me il vago, polveroso ricordo che ne serbavo, e cioé quello di un film complessivamente deludente. La storia intriga soltanto all'inizio, ma perde di interesse a mano a mano che il film avanza, anche a causa delle ristrettezze del budget. Il film infatti fu girato con pochi mezzi, e ne risentono tanto l'ambientazione quanto il cast, composto da attori mediocri, a volte persino tremendi. Certo, Donald Pleasence è molto bravo, ma certo non salva il film da solo.

Anche se il finale è di grande effetto, la vicenda non mi ha mai preso davvero, e la minaccia dei barboni-zombi che circondano la chiesa è un altro dei tanti spunti potenzialmente validi che non diventano mai inquietanti, purtroppo.

Rivisto dopo una vita nel dvd italiano Dell'Angelo. 

Il seme della follia (John Carpenter, 1994)

Non leggi Sutter Cane?

 

Grande horror carpenteriano che non rivedevo da molto tempo.

Costruito in modo intelligente e con grande gusto, mi provoca sempre un senso di inquietudine, che va ben oltre la reazione ai classici momenti di spavento (talora un po' facili) disseminati qua e là nel corso della storia.

Carpenter conosce il genere come le sue tasche e resta sempre terribilmente serio, riuscendo a sfruttare in modo eccellente la trovata, che immagino non fosse nuova nel 1994, dei protagonisti che entrano senza volere in un romanzo, diventando personaggi manovrati loro malgrado dall'autore. C'è di che riflettere, a posteriori: ma il film resta godibile anche ad una visione superficiale, e si chiude splendidamente.

Ottimi Sam Neill e il luciferino Jurgen Prochnow, così come la colonna sonora, curata - al solito - da Carpenter in prima persona.

L'inquietante chiesa gotica di Hobb's End è in realtà la Cattedrale della trasfigurazione di Markham, in Canada:

Rivisto dopo anni nel bluray italiano. 

E Johnny prese il fucile (Dalton Trumbo, 1971)

Il momento-chiave.

 

Unico film da regista dello scrittore Dalton Trumbo, tratto dal suo romanzo più noto.

Il giovane Joe parte volontario con l'esercito degli Stati Uniti per la prima guerra mondiale. Colpito da una bomba, rimane orribilmente menomato, ma incredibilmente sopravvive. Considerato un vegetale dai medici, è in realtà ancora presente a sé stesso, ma non ha modo di farlo sapere, e persino la sua identità è sconosciuta a tutti.

Che razza di film si facevano, negli anni Settanta. Strani, bizzarri, potenti. Questo esordio di Trumbo è a dir poco particolare, dato che lo scrittore aveva già 65 anni quando lo diresse; rimase ovviamente il suo unico lavoro dietro la macchina da presa, anche perché purtroppo andò male al botteghino.

Film straziante, e bellissimo. Diviso tra le parti con il protagonista Joe ridotto ormai a un "pezzo di carne" (girate in b/n) e i sogni, ricordi e flashback della sua vita (a colori), regala emozioni e fa riflettere. Non è poco. Certo, qualche momento eccessivamente felliniano io lo avrei forse evitato, ma nel complesso ho avuto la sensazione di stare vedendo qualcosa di importante.

Visto in una ottima copia derivata da bluray, credo. 

Quella sporca ultima meta (Robert Aldrich, 1974)

La "Mean Machine" a rapporto. 

 

Un classico degli anni Settanta che non avevo ancora visto.

Mezzo carcerario e mezzo film sportivo, narra lo svolgimento di una epica partita di football americano tra guardie e detenuti: Burt Reynolds, ex campione di questo sport, viene chiamato a dirigere la squadra dei galeotti, ovviamente.

Discreto film, con qualche bel tocco di regìa e personaggi caratterizzati in modo spiccio, ma troppo centrato sul football per interessarmi più di tanto. Lo spazio dedicato alla partita, infatti, arriva a ben tre quarti d'ora. Tra l'altro il football nel nostro doppiaggio diventa magicamente rugby, il che spiega il titolo italiano.

Visto in una ottima copia rimediata fortunosamente. 

La grazia (Paolo Sorrentino, 2025)

Il papa nero, come nella canzone dei Pitura Freska.

 

L'ultimo film di Paolo Sorrentino, sempre con Toni Servillo protagonista.

Film deludente, per me. Servillo è il presidente della Repubblica, ormai arrivato al cosiddetto semestre bianco. Lo attendono alcune decisioni particolarmente difficili da prendere, e l'uomo tentenna, come del resto ha sempre fatto, a quanto si scopre.

La storia è minimalista, sebbene tocchi temi di grande rilevanza sociale come l'eutanasia. I dialoghi però non aiutano, anzi spesso annoiano, annegando nella banalità. Senza contare che molte sequenze (vedi l'arrivo del premier portoghese, sotto la pioggia) sono tirate per le lunghe.

Un'opera molto stilizzata, diretta con innegabile eleganza formale: ma le emozioni non ci sono, non arriva quasi nulla allo spettatore. Tutto resta molto fumoso, e qualche scelta bizzarra (il papa nero che fila via in scooter, o l'apparizione del rapper Guè Pequeno) non aiuta a smuovere le acque di un film tedioso, dall'inizio alla fine.

Sorvolo sulle risibili didascalie finali, classico espediente usato da registi incapaci di chiudere i loro film: possibile che Sorrentino sia caduto così in basso? Bah.

Visto in una ottima copia rimediata in modo fortunoso. 

L'uomo del riksciò (Hiroshi Inagaki, 1958)

Matsugoro e il suo risciò.

 

Dramma giapponese che vinse il Leone d'oro a Venezia.

Siamo nei primi anni del Novecento. Toshiro Mifune è Matsugoro, un conducente di risciò che un giorno aiuta il piccolo Tosho, caduto da un albero. In questo modo conosce la famiglia del bambino, cui resta legato in modo profondo, visto che l'uomo vive da solo. Oltretutto Tosho resta orfano di padre di lì a poco, cosa che stringe ulteriormente il rapporto tra i due.

Bel film: non mi ha appassionato in modo particolare ma è impossibile non riconoscerne le qualità. Matsugoro è un personaggio a tutto tondo, e Mifune è eccellente nel renderlo in modo umano. Molto bella l'idea delle transizioni, simboleggiate dalle ruote del risciò che girano. Finale originale e commovente, con colori quasi psichedelici.

Nonostante sia formalmente un film drammatico ci sono diverse parti leggere, che funzionano meno (a mio avviso) di quelle serie. Come era prevedibile in una pellicola ambientata nel Giappone di inizio secolo scorso, abbondano gli infiniti (e talora tediosi) salamelecchi del popolo orientale: tutti si scusano a vicenda per qualsiasi cosa, si inchinano una mezza dozzina di volte prima di accomiatarsi e così via. Talvolta mi è difficile non sentire un senso di disagio, non dirò di fastidio, per i riti di questo mondo da noi così distante. Mah.

Visto nel dvd italiano A&R. 

La cosa (John Carpenter, 1982)

Kurt Russell nei panni di Mac. 

 

Se esiste un elenco di film perfetti, e ne dubito, andate alla lettera C: troverete La cosa.

Tratto da una storia già portata sullo schermo nel 1951, mette angoscia già dopo due minuti, e non molla la presa neanche per un istante. In breve si arriva alla classica situazione tutti contro tutti, quando gli uomini chiusi nella base al Polo Sud non sanno più di chi fidarsi, e di chi no. Girato quando ancora gli effetti digitali non avevano preso il sopravvento, offre momenti di spavento notevoli, insieme a personaggi scolpiti nel granito. Impossibile chiedere di più, francamente.

Anche la colonna sonora di Morricone, qua e là criticata con toni sprezzanti, per me è eccellente e perfettamente adatta al tipo di pellicola. Ulteriore nota di merito: l'assenza di personaggi femminili, che ha evitato una inutile parentesi sentimentale che altri registi avrebbero inserito a forza, anche solo per avere un po' di carne da mostrare nel trailer.

Rivisto in una ottima copia di origine incerta.